viernes, 31 de julio de 2015

Galimatías de nenúfares



“Leaves of Grass“: Geoffrey Farmer hat Hunderte von Fotos auf feste Grashalme geklebt  ‘Documenta’ Art Exhibition. Kassel

Al lado de la alberca, encontré un papel mojado con un poema sobre el nombre de las cosas y de los seres humanos.

Un texto que hablaba del ascendiente de las siluetas, la profundidad del alma, el valor de una mirada y de las formas intangibles, las que no se ven pero que sentimos, como el viento gregal, los aromas del nardo, etc.

Demasiadas cosas en aquel papel, un gatuperio. 

Contemplé la alberca y preferí el galimatías de los nenúfares. Rompí el papel y me sequé las manos.

miércoles, 29 de julio de 2015

La ingravidez de la cúpula esférica


M•AGRIPPA•L•F•COS•TERTIVM•FECIT
Marcus Agrippa, Luciī fīlius, consul tertium, fēcit
('Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsul por tercera vez, (lo) hizo')


Ésta es la inscripción que podemos leer sobre la puerta del Panteón. En ella se atribuye la construcción del edificio al general y político Marco Vipsanio Agripa.

Lo dicho en la inscripción se refiere naturalmente al individuo que pagó la construcción y no a quien lo ideó, dibujó y edificó. Ante los políticos, los arquitectos siempre quedan en segundo plano.

Viendo la magnificencia de esta arquitectura, Miguel Ángel Buonarroti afirmó que el Panteón era un «Diseño angélico y no humano»

No creía que un humano, y mucho menos un político, fuera el autor de un edificio tan bien proporcionado.
 
El arquitecto debía ser un ángel o un serafín, pues es de seres seráficos idear paradojas como la cúpula del Panteón en la que se ha sustituido la clave de la cúpula por un agujero. En efecto, la función de la clave de la cúpula es comprimir con su peso las dovelas y todas las piezas de la cúpula, dando con esta compresión estabilidad al conjunto. Simplificando podemos decir que al quitar la clave, la cúpula pierde estabilidad y se derrumba.

En el caso del Panteón, el arquitecto sustituyó la piedra pesada por un círculo vacío, ingrávido. La cúpula del edificio está formada por cinco filas de casetones de superficie esférica que van decreciendo en tamaño a medida que se acercan al centro. Arriba, en la cúspide, la cúpula está perforada por un óculo de nueve metros de diámetro. Dicho agujero circular permanece abierto, y por él entra la luz y la lluvia.

La paradoja de esta construcción angelical es que se ha sustituido la gravedad por la vacuidad. Naturalmente hay ahí un truco estructural que conocemos pero que no vamos a desvelar. Se trata de un truco geométrico, como casi siempre.

lunes, 27 de julio de 2015

Inconmensurable

Wolf Vostell. Deutscher Ausblick, dal ciclo Schwarzes Zimmer, 1958/59, Dé-coll/age

Puedo desmochar un haikú,
descabezar un monosílabo,
acortar la memoria ínfima
de las madreselvas
y hacer con todo ello
el boceto inconmensurable
de la nada.

F.C.

domingo, 26 de julio de 2015

Masaccio

El tributo (fragmento)
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (1401-1428)

Nos dice Vasari que Masaccio “reconoció que la pintura no es sino la imitación de las cosas tal como son”

Hoy, tal imitación es considerada como una visión reduccionista. Nos argumentan que plasmar la realidad tal como es, sin el añadido de la pulsión artística, no es arte, que esto mismo hace la fotografía y aún lo supera, por lo menos a lo que a representación de la realidad se refiere.

¿No nos conformaríamos con reconocer las cosas tal como son? Así sin más, a sabiendas de que la realidad supera siempre cualquier ficción que pueda añadir el arte.

Masaccio observó la realidad y trató de representarla sabiendo muy bien que esto era una hazaña casi imposible, para ello aplicó las leyes de la perspectiva, fue el primer pintor que utilizó la perspectiva para la representación de la naturaleza.

Las leyes de la perspectiva descubiertas por los artistas del Quattrocento sirvieron de método eficacísimo para el estudio y conocimiento del espacio pictórico y arquitectónico. Sirvieron, además de reflexión sobre el espacio y sobre la incidencia de la luz en los volúmenes. La reflexión es algo que surge mediante una actitud intelectual activa y no se puede conseguir de forma automática pulsando un botón o escaneando una imagen.

Masaccio que se formó junto con Brunelleschi, compone sus pinturas equilibrando llenos y vacíos como si construyera un espacio arquitectónico.

Decía su contemporáneo Leon Battista Alberti que es cosa o realidad aquello que ocupa un espacio, pero también el espacio es realidad en sí mismo, síntesis de las cosas, y cosa es también la luz, que ocupa el espacio, se detiene y se condensa sobre las cosas.

La obra de Masaccio considera el espacio como continente y como contenido, las figuras ocupan el espacio y se inundan de luz siguiendo las leyes matemáticas de la perspectiva y como si fueran un edificio de Brunelleschi, se apoyan sobre el equilibrio que forman las horizontales y las verticales. Parece anticipar un sistema cartesiano formalmente que a todas luces lo supera.

jueves, 23 de julio de 2015

Un buen libro

 Este libro sí que me gusta


TESI DOCTORAL

COMPORTAMENT MECÀNIC-ESTRUCTURAL DELS EDIFICIS
HISTÒRICS DE MURS DE FÀBRICA DE MAÓ DE
L'EIXAMPLE DE BARCELONA

CÒSSIMA CORNADÓ BARDÓN

martes, 21 de julio de 2015

Advertencias de los que mandan









Imagen tomada de la web “La isla de los grifos”



Los que mandan, a veces, me advierten del peligro de los venenos. Para advertir utilizan frases rebuscadas, casi siempre con un lenguaje que va desde la confusión a lo "políticamente correcto".

No sé si es para despistar, pero los mandamases conjugan mal los verbos, sustituyen el imperativo por el infinitivo. Lo hacen mal, no saben mandar ni hablar, pero saben endulzar un veneno. Son incultos y desconocen las formas del verbo y conocen demasiado bien las formas del veneno.

lunes, 20 de julio de 2015

Les metamorfosis de 'Sa ximbomba'

Texto firmado por Albert Tugues publicado en el diario El Punt - Avui  19-7-2015


ALBERT TUGUES

Les metamorfosis de ‘Sa ximbomba'

Què és aquest llibre, Sa Ximbomba? Potser un artefacte amb dibuixos del pintor Beneyto, amb lectura surrealista del poeta Francesc Cornadó? O bé una col·lecció de proses breus de Cornadó, amb imatges postistes de Beneyto? Ambdues coses alhora, però que interactuen i s'originen en un altre àmbit, el món de Camilo José Cela, de qui manlleven títols i fulls de quinze llibres i dos números de la revista El Extramundi, fulls sobre el quals dibuixaran i escriuran fins a posseir-los i transformar-los.

Sa Ximbomba, en aquesta esplèndida i acurada edició, se inicia a partir d'uns exemplars dedicats que C.J. Cela donà a Beneyto, com explica en el pròleg Jorge Cela Trulock: “Beneyto, cada vez que Cela el mayor le regalaba un libro, se deleitaba pintándolo.”

Portades, anteportades i fulls de guardes que l'artista-lector envaeix amb els seus colors i visions. Éssers monstruosos, de l'extramón, que poden tenir rostre bifront o tres cames, sabates de punta afilada i ambigua, o foradades per una ungla pintada de vermell, perfils amb sexes hipertrofiats, provocadors, que sorgeixen de qualsevol línia del dibuix i deformen la figura representada. Encara que, ens adverteix Cornadó, aquestes metamorfosis estranyes, aquests petits monstres són també del nostre món: “No era un ser del extramundo; no..., era de este mundo. Era un ser mutante. Era un error. Era el único hombre bueno.

És de l'entranya d'aquests llibres i revistes, vampiritzada pel traç de Beneyto, d'on Cornadó en qualitat d'hermeneuta extraurà, en una segona vampirització, el so de les proses breus de Sa Ximbomba, percutint un ritme de bruixeria o conjurant el temps verbal (la prosa titulada Poesía completa està escrita sense cap verb, un “cuento sin verbos”, diu Jorge C. Trulock); “un ritmo raro, parecido al que se produce cuando frotamos la caña de una zambomba, la caña de sa ximbomba”.

Al final de cada prosa hi ha un text més breu titulat Deus ex machina, últim recurs narratiu per representar la transgressió de la pàgina que Beneyto i Cornadó perpetren sobre els llibres de Camilo José Cela.



Sa Ximbomba
Francesc Cornadó / Antonio Beneyto
Pròleg: Jorge Cela Trulock
Editorial: SD Barcelona, 2015
Pàgines: 146

http://www.elpuntavui.cat/article/5-cultura/19-cultura/876349-les-metamorfosis-de-lsa-ximbomba.html?cca=1

domingo, 19 de julio de 2015

Spaghetti Pantelleria



Alcaparras, tomate picado a trocitos muy pequeños, poco ajo a trocitos menudos, alcaparras, unas hojas de menta, aceite y un poquitín de pimienta.
Los spaghetti simplemente hervidos como siempre.

Unos versos de Horacio y la charla con los amigos

Razones para vivir.

viernes, 17 de julio de 2015

Las ruinas de la arquitectura moderna

Palau de les Arts. Santiago Calatrava

La arquitectura moderna no hace buenas ruinas.

La arquitectura moderna suele estar bien calculada, no en balde el cálculo de estructuras ha progresado de manera que podemos conocer los esfuerzos que inciden cada elemento constructivo. Esto nos permite dimensionar con bastante precisión vigas y pilares. Las normativas, además, exigen unos niveles de seguridad estructural que garantiza con mucho éxito la estabilidad.

Así pues, el deterioro que podemos hallar en los edificios modernos no suele ser debido a un quebranto o perjuicio estructural.

Pero independientemente de la estructura portante, los edificios se componen de otros elementos cuyo deterioro puede arruinar el trinomio de Vitruvio: firmitas, utilitas, venustas (solidez, utilidad y belleza).

Los edificios modernos no se caen, poco a poco se desmoronan, se desconchan, las masillas y siliconas se resecan, los paramentos se manchan y las grietas no les otorgan ningún carácter. Los edificios modernos no hacen ruinas, producen residuos que acaban en un vertedero.

Vemos que las arquitecturas antiguas producen ruinas y las arquitecturas modernas producen residuos y restos cochambrosos, esto no es solamente una cuestión de materiales sino que también es algo que procede de su concepción inicial, del proyecto arquitectónico, quizás una cuestión cultural, que me lleva a pensar que del mismo modo que el conocimiento antiguo acabó en una ruina más o menos elocuente; la cultura moderna quizás acabe en algún vertedero autorizado.
Parador Ariston (1948). Arq. Marcel Breuer  


Post scriptum.- Un profesor que tuve, prestigioso arquitecto de reconocimiento mundial, decía que lo mejor que podemos hacer con un edificio moderno “viejuno” es aplicarle una buena mano de pintura.

miércoles, 15 de julio de 2015

La font del bou

Sentado, escuchando el murmullo de la fuente, esperaba a mi amigo para hablar de la muerte.

martes, 14 de julio de 2015

Silencio y alboroto de los artistas

Por las razones que se exponen en el escrito voy a silenciar el nombre del autor de esta obra titulada “Faena de muleta” vendida por 4,4 millones de Eu.



He conocido artistas que huyen de toda notoriedad, que realizan una obra callada alejada de las luces de neón y de toda la pachanga mediática. Los admiro.

Escucho, por otra parte, las palabras de otros artistas menos callados y mucho más extrovertidos (pintores, literatos, arquitectos...), que me advierten que debo desconfiar de las mosquitas muertas y que aquellos callados que se escapan de toda nombradía y alboroto, lo hacen para evitar que hablen de ellos, no vaya a ser que el mundo descubra todos sus defectos.

¡Vaya con los unos y con los otros! ¡Menuda pandilla de artistas!

Reflexiono sobre mi admiración y vuelvo a mi convencimiento de que lo que debo admirar es la obra de arte y un poco menos al artista.

viernes, 10 de julio de 2015

Francisco Guerrero



Tuve el  honor de conocer a Francisco Guerrero, el gran compositor. En aquellos Encuentros de Pamplona 1972, participé con él en la acción-happening de presentación de su Promenade sur un parc

 En mi juventud, los Encuentros de Pamplona 1972 y el contacto con Guerrero y otros artistas de vanguardia fueron un hito en mi formación y supusieron el principio de mi interés por el arte moderno.

Escuché en Pamplona su obra El canto del Zyklon B. Sin saber que significaba aquel título, su audición me produjo un malestar y una inquietud inexplicable. 

Años más tarde supe qué “cosa maldita” era aquello del Zyklon B.           UN HORROR.

Francisco Guerrero fue uno de los más imaginativos compositores españoles y uno de los de más prestigio internacional.  Mi amigo músico y matemático falleció cuando tenía 46 años, cuando se encontraba orquestando la Iberia de Albéniz.

Más o menos de mi misma edad, había nacido en Linares. Comenzó sus estudios en Granada. A los 16 años fundó un laboratorio de música electrónica en Radio Popular de Granada. A los 20 fue a Madrid donde se instaló en el laboratorio Alea de música electro-acústica.

Alea había sido creado por el músico Luis de Pablo y estaba patrocinado por la familia Huarte. Francisco Guerrero, el propio Luis de Pablo, E. Polonio y H. Vaggione, participaron en los Encuentros de Pamplona. Yo creo que allí culminaron las actividades de Alea y poco tiempo después el laboratorio de música electroacústica desapareció.

A Francisco Guerrero siempre le interesaron las matemáticas y la relación de la música con las ciencias puras.

Contaba con el apoyo internacional de personalidades como Ianis Xenakis, Pierre Boulez, y Carlos Castilla del Pino, entre otros, para crear en Madrid un Centro de Altos Estudios Musicales, pero su ilusión jamás llegó a cumplirse. Razones económicas y la falta de apoyo institucional de una España que aborrece la cultura y el arte de vanguardia y desprecia a sus artistas, impidieron que Francisco Guerrero lograra alcanzar su sueño.

Sus partituras, de gran dificultad, apenas se difundieron en España. Uno de los motivos de esta falta de difusión puede atribuirse a la escasez de buenos intérpretes de música contemporánea. Yo creo, sin embargo, que el desconocimiento de la música de Guerrero debemos atribuirlo a la falta de interés de la población por la música de vanguardia. 
Francisco Guerrero adquirió fama de “maldito”. Era poco dado a las concesiones, era exigente y riguroso con la interpretación de sus obras.

"Dicen que soy muy raro y que tengo mala leche: mentira. Que soy un maldito -¿quién se ha encargado de ponerme ahí, en el malditismo?- y que soy tajante con mis alumnos. Mentira también. Me gusta el arte potente y el que sólo se sustenta en sí mismo. No me interesa el arte panfletario y el que tiene que recurrir a lo externo para justificarse. No me interesa el minimalismo, el serialismo integral, el espectralismo, los neos de ninguna especie, etcétera... No me interesa nada que no mire hacia adelante y todo lo citado mira o hacia atrás o hacia la pared, como castigado. Detesto la flojera de la gente, su falta de compromiso con lo que hacen, la falta de dignidad de muchos compositores (¿lo son?), la pedantería (ahora, mucha de la gente que se reía de mis matemáticas se ha vuelto fractal, ¿saben de verdad qué es eso?), la vanidad del torpe y la envidia del que lo es aún más. Detesto también la imprecisión, la chapucería y la arrogancia del majadero que pone sietecillos sin saber por qué ni para qué",

Su Obra

  • Concierto de cámara (1977). Sexteto instrumental.
  • Ars Combinatoria (1979-1980).
  • Anemos C (1979).
  • Antar Atman (1981).
  • Rhea (1988) para 12 saxofones.
  • Delta Cephei (1992) para conjunto instrumental.
  • Zayin (I-VII). Conjunto de cuartetos y tríos para cuerda compuestos entre 1983 y 1997.
  • Sahara (1991) Para gran orquesta.
  • Oleada (1993).
  • Coma Berenices (1997).

martes, 7 de julio de 2015

Aforismos que no son haikús

XV
Sálvate de Dios,
Defiéndete de tu prójimo.
El quinto Evangelio.

XVI
Lo ves a menudo,
una ofensa de puñales,
dolor aceptado.

XVII
Las voces del cuerpo
silenciadas a menudo.
Lenguas afiladas.


F.C.

sábado, 4 de julio de 2015

Josep M. Mestres Quadreny. ARONADA


Josep M. Mestres Quadreny representa la búsqueda, la indagación y la renovación del pensamiento musical en Cataluña.

Su formación científica le da la posibilidad de pensar la música no como una continuidad lineal que parte de un tema, sino como un mundo sonoro abstracto o una realidad física en tanto que fenómeno acústico ordenado según criterios estéticos o conceptuales

Muchas de las partituras de Mestres Quadreny presentan una atención singular por el aspecto gráfico. Algunas de sus obras, como por ejemplo, Aronada de 1971, Homenatge a Joan Prats de 1972, Homenatge a Eugenio Arias o Mirall de sorra entre otras, son válidas tanto para ser contempladas como para ser interpretadas.

La belleza visual expresada por el grafismo de su notación, hace que enseguida trascienda a la categoría de arte y a convertirse en protagonista siguiendo así, una corriente, actualmente muy diversificada, que inició John Cage.

En la “música visual” el grafismo adquiere valor en sí mismo y no precisa de otra interpretación que la sugerida por la imagen.

“Si somos capaces de escuchar una partitura, también seremos capaces de ver un sonido” nos decía Joan Brossa.